我選擇了長久以來一直深深吸引我的一個領域 ─ 音樂與美術的關聯……至於專欄的外文名稱“L’Œil écoute”，則涉及了筆者多年前在法國學習時的一段美好回憶，那是巴黎蒙帕那斯區（Montparnasse）一家書店的店名，意思是「用眼睛聽」。▲圖一、畢卡索：《三位音樂家》（1921年，紐約現代美術館）。在舞廳中演奏爵士樂的音樂家們被「立體主義」化、「新古典主義」化了。畫面上的線條、平面、空間的不規則疊置，有如爵士樂「切分音」（syncop...
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**我選擇了長久以來一直深深吸引我的一個領域 ─ 音樂與美術的關聯……至於專欄的外文名稱“L’Œil écoute”，則涉及了筆者多年前在法國學習時的一段美好回憶，那是巴黎蒙帕那斯區（Montparnasse）一家書店的店名，意思是「用眼睛聽」。**
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▲圖一、畢卡索：《三位音樂家》（1921年，紐約現代美術館）。在舞廳中演奏爵士樂的音樂家們被「立體主義」化、「新古典主義」化了。畫面上的線條、平面、空間的不規則疊置，有如爵士樂「切分音」（syncopation）的效果；鮮明對比的色塊並置，有如史特拉溫斯基《繁音音樂》中的偏好稀罕、怪異的音色。
▲圖二、畢卡索為史特拉溫斯基《繁音音樂》首版封面繪製的圖像。這只不過是這兩位藝術大師許多互動中的一個小例子（1919年，巴黎畢卡索美術館）。
## **L’Œil écoute？**
《謬斯客》的編輯建議筆者寫作專欄，我選擇了長久以來一直深深吸引我的一個領域 ─ 音樂與美術的關聯，並將專欄命名為**「看見音樂，聽見畫」**。此名稱並非自創，而是借用了作曲家馬水龍的用語。《雨港素描》、《水墨畫之冥想》、《意與象》……，這些頗具畫意樂曲的作者，以「看見音樂，聽見畫」來形容他自己的音樂創作心境。馬水龍年輕時曾兼習繪畫與音樂，並一再猶豫，到底要當畫家還是作曲家？最後他選擇了音樂。
至於專欄的外文名稱“ L’Œil écoute”，則涉及了筆者多年前在法國學習時的一段美好回憶，那是巴黎蒙帕那斯區（Montparnasse）一家書店的店名，意思是「用眼睛聽」，**言下之意不只是用眼睛聽，還要「用耳朵看」**，因為該書店兼賣音樂與美術書籍，提供了一個視覺與聽覺經驗交匯、互補的場域。
巴黎南邊的蒙帕那斯區，正是電影《畢卡索與莫迪里亞尼》的故事場地。20世紀初第一次世界大戰後的二○、三○年代，**也就是所謂的「瘋狂年代」（Les Années folles）**，蒙帕那斯可說是巴黎美術的中心，也是當時世界藝術的重心，來自世界各地的畫家聚集於該區，在一些廉價的咖啡館中談論藝術，交換創作經驗。這些「吝於消費卻奢於談論」的許多貧窮年輕畫家，包括日後將成名的畢卡索（西班牙）、莫狄里亞尼（義大利）、蘇丁（Soutine，立陶宛）、夏卡爾（Chagall，俄國）、布朗庫西（Brancusi，羅馬尼亞）、查德金（Zadkine，俄國）、季斯林（Kisling，波蘭）、雷捷（Léger，法國）、藤田嗣治（Foujita，日本）。這些宛如美術「聯合國」般的「巴黎畫派」畫家們，不僅與文學家們交往，與音樂家們也有著密切的互動，不同領域的藝術因而在蒙帕那斯彼此激盪出燦爛的火花。蒙帕那斯的畫家、詩人們，如何與音樂界的史特拉溫斯基、薩提（E. Satie）、「法國六人組」充份交流，此專欄日後將分成好幾次，詳加介紹。
筆者於1984年秋初抵巴黎時，在蒙帕那斯區上法文課密集班，當時還懵懵懂懂的，完全不知道該區光榮的過去，課餘經常到“L’Œil écoute”書店隨興翻閱，逐漸激起美術的興趣，日後進而在羅浮宮藝術學院修習課程，並在奧塞美術館主辦的一系列演講、音樂會中得到音樂與美術相互關聯的常識。然而必須等到進入索爾邦大學音樂學部門就讀之後才發覺：音樂與美術互動的研究方興未艾，越來越吸引更多人的好奇與投入。我於是自然而然地沉浸在此潮流中，直到今日。
## **視覺的膚淺與聽覺的傲慢**
人們為何想脫離唱片封套插畫式的粗淺、直覺式的認知，而逐漸熱衷於音樂、美術關聯的研究？這方面的著作、相關活動為何在近年來成為顯學？事實上，無論是音樂或美術各自的探討，長久以來已被做得非常詳盡，若能夠突破各自的藩籬，進行融會貫通的「跨領域」式的研究，將開發出另一片廣闊的天地。這類認知當然涉及較廣的領域，具有較大的野心，人類學家李維史陀（Claude Lévi–Strauss）1993年的著作《觀畫、聽樂、看書》（Regarder écouter lire），為我們提供了一個相當「博學」的例子：在此書中，他海闊天空地將多位西方畫家、音樂家、文學家的創作，以及北美洲印第安人的藝術兼談在一起。
此專欄沒有李維史陀的野心與博學，只想聚焦在西方音樂史與美術史上，以較淺顯易懂的方式進行類比性的介紹，突顯各個時代畫家與音樂家的互動。或許有人感到疑惑：音樂史或美術史單方面的認知已夠複雜了，若將兩邊放在一起談，豈不是更加混淆不清？我個人的經驗卻是：**音樂與美術本質上雖然不同，將兩方面談在一起，能夠產生互補作用，除了更深刻地了解了雙方面各自的特性之外，還能得知它們彼此類同之處。**例如圖一、圖二中，史特拉溫斯基、畢卡索的互動，具有一個「公分母」 ─ **第一次世界大戰前後在巴黎興起的爵士樂與舞廳音樂**：為何爵士樂會在二○年代前後的巴黎大行其道？所謂的「歐陸爵士」與美國爵士樂有何不同？當時的蒙帕那斯區如何「瘋爵士」？巴黎畫派的畫家們如何具現爵士？米堯（D. Milhaud）、拉威爾、史特拉溫斯基，還有其它一些作曲家們又如何受「爵士」的影響？畫家與音樂家如何就爵士樂進行互動？爵士樂如何被畫家們以當時成為主流的「立體主義」（cubisme）或「新古典主義」（néo- classicisme）的方式呈現出來？史特拉溫斯基的典型爵士樂風作品《繁音音樂》（Ragtime，1918年），在樂器編制、充滿切分音的節奏、奇異的音色應用各方面，與畢卡索的畫作是否有類似之處？
筆者在進行這種「類比性」（analogy）的研究時，經常發覺視覺藝術與聽覺藝術之間的互補，能夠產生相得益彰的效果。正如啟蒙時期思想家狄德羅（D. Diderot，1713–1784）所言：「視覺是最表面膚淺的，聽覺是最傲慢的……」，**視覺藝術的空間性、具體性呈現，較容易為一般人所把握，人們因而經常以走馬看花的方式隨意瀏覽，而忽略了深刻的內涵；聽覺藝術的時間性、抽象性呈現，顯得稍縱即逝，令人無從捉摸，因而是較深奧、難懂的。**在欣賞音樂時，如果能適度地求助於視覺藝術（繪畫、雕刻、建築），也就是「用耳朵看」，應能夠將無形的音樂把握地更具體、較實在些；相對地，在觀賞美術作品時，如果能「用眼睛聽」，也就是看得深入透徹，才能看到造型藝術作品深刻的「音樂性」。
### **本文節選自《MUZIK古典樂刊》No.11**
