一生從未踏出過德語區的巴赫，大多數聲樂作品都圍繞在德文打轉，但他其實也曾趕上時代潮流，寫過風花雪月風情的義大利文清唱劇。
在巴赫留存至今的清唱劇中，就真有這麼兩首採用義大利文為文本之作：《背叛的愛》（Amore traditore）BWV 203與《不知何謂痛苦者》（Non sa che sia dolore）BWV 209。關於這兩部作品的身世，學者曾有過不少質疑，主要是因為它們皆無真跡手稿留存，無法透過直接的史料考證來確認其真實性，然而，從風格分析的角度來看，這兩部作品在和聲與結構上卻又蘊含了濃厚的巴赫式特徵，讓學者又難以完全否定它們就是巴赫本人手筆。
在十八世紀的歐洲，義大利文是世俗聲樂與歌劇的國際通用語言，儘管巴赫終其一生未曾涉足歌劇創作，但他對義大利音樂風格顯然著墨至深，證據之一是他在威瑪（Weimar）時期被韋瓦第（Antonio Vivaldi，1678～1741）與馬采羅（Alessandro Marcello，1673～1747）的協奏曲風格吸引，曾將多他們的協奏曲改編為鍵盤獨奏音樂，更何況從歷史脈絡來看，世俗獨唱清唱劇原本就發源於義大利，這在當時的德國作曲家之間也是備受推崇之風尚，如此看來，巴赫創作義大利文清唱劇，不過就是回歸清唱劇一詞最原始的定義。
《背叛的愛》BWV 203
巴赫學者格洛克納（Andreas Glöckner，1950～）根據史料得出結論，認為這首清唱劇可能創作於巴赫在柯騰（Cöthen）擔任宮廷樂長時期（1717～1723年），因為當時義大利文室內清唱劇，其實就是宮廷娛樂音樂的常規曲目。
整首清唱劇一共包含三曲，形式結構非常簡練，開頭和結尾都是詠嘆調，中間以一段純樸的乾宣敘調（secco recitative）連接。歌詞部分，如同其他義大利文清唱劇傳統，其文本是一首不知名詩人的愛情詩，內容哀嘆愛情所帶來的枷鎖與痛苦創傷，並下定決心不再被束縛，從而自由自在生活。
既然以「背叛」作為主題，音樂免不了充滿了義大利歌劇般的戲劇張力，然而編制卻是對比的極簡，全曲僅由一位男低音與大鍵琴共同演出，可想而知，此處的大鍵琴絕不是安分守己的綠葉伴奏，巴赫為其置入艱深華麗的炫技段落，與充滿怒火的男低音相互飆戲，形成勢均力敵的交鋒。
▲《背叛的愛》全曲線上聆聽
第一曲：男低音詠嘆調，a小調，12/8拍，大鍵琴伴奏。 由男低音唱出短短五句歌詞，痛斥愛情的虛偽，並表示自己要徹底擺脫這段關係所帶來的枷鎖，重新奪回情感自由。開頭由大鍵琴奏出連續的八分與十六分音符主題，這主題在音樂進行中反覆出現，有時是完整的，有時則被分割成片段，似乎在烘托主角內心的焦躁不安，巴赫安排男低音以大跳音程來傳達憤怒，彷彿主角正咬牙切齒地斬斷愛情的鎖鏈。歌詞如下：
背叛的愛，
你再也無法欺騙我了。
我不想要枷鎖，
不願承受焦慮，痛苦，
悲傷與奴役。
第二曲：男低音宣敘調，C大調，4/4拍，大鍵琴伴奏。 在經歷了第一曲爆發的怒火之後，主角的情緒轉向更深層的內心獨白，決心要治癒愛情留下的致命創傷，大鍵琴於此處不再炫技，只剩下偶爾落下幾個乾淨和弦，男低音得以安靜下來喃喃自語，吐露出內心的掙扎與決心。歌詞如下：
我要試試，
看是否能治癒
我靈魂的致命創傷，
並證明沒有愛神之箭依然能活；
願希望不再是
痛苦的阿諛，
我心中的喜悅，
不再因我的堅定而成為你的笑話。
第三曲：男低音詠嘆調，C大調，3/4拍，大鍵琴伴奏。 歷經第一曲的憤怒與第二曲的內省，主角最終擺脫愛情陰霾，巴赫讓音樂釋放斬斷情絲後的奔放能量，男低音唱出充滿節奏感的吶喊來展現果斷，助奏的大鍵琴則以滔滔不絕的快速裝飾音群呼應，兩者互相追逐，創造出張力十足的聽覺享受。歌詞如下：
愛情被命運視為仇敵，
若無法放棄愛愛情就是瘋狂至極。
讓靈魂蔑視那殘酷的枷鎖，
如果在痛苦中找不到憐憫。
《不知何謂痛苦者》BWV 209
與《背叛的愛》的火爆截然不同，這是一首柔美、優雅且充滿不捨的告別之作，核心主題圍繞著離別哀傷與前程祝福。
整首清唱劇共包含五曲，以管弦樂交響曲揭開序幕，其後則是第二、四曲的宣敘調與第三、五曲的詠嘆調，創作時間與文本作者已不可考，令人費解的是，這些歌詞彼此之間似乎不夠連貫，音樂學者因此推測，這首清唱劇的歌詞可能是由一位不熟悉義大利文的編輯，為了特定的送別場合而拼貼而來的：第二曲的宣敘調摘錄自瓜里尼（Giovanni Battista Guarini，1538～1612）1598年的詩作《悲痛的離別》（O dolci sguardi, o d'amorosi detti）；第三曲與第五曲的詠嘆調，則分別抄錄自梅塔斯塔西奧（Pietro Metastasio，1698～1782）的兩部歌劇《加拉蒂亞》（La Galatea，1722年）與《被認出的塞密拉米德》（Semiramide riconosciuta，1728/29年），後者的引用顯示此曲的創作時間絕不可能早於1729年。
另一方面，歌詞中的旅人到底是誰也令人好奇，根據歌詞線索，這位旅行者應該是一位學識超越其年齡的年輕學者，有學者推測這是巴赫為了送別他的上司兼摯友格斯納（Johann Matthias Gesner，1691～1761)）而作，格斯納與巴赫私交甚篤，且確實於1729年前往安斯巴赫擔任校長，然而，格斯納當時已三十八歲，不符合學識超齡的年少形象，此外，前往安斯巴赫屬於陸路旅行，歌詞中的風浪隱喻顯得相對牽強，為此，也有學者主張這部清唱劇的題獻對象可能是德國歷史學家米茲勒（Lorenz Christoph Mizler，1711～1778），在年齡與各方條件上都更符合文本的描述。
人聲編制只用到一位女高音，樂團編制包括一把長笛、弦樂與數字低音，其中長笛佔據了極為突出的主導地位，巴赫為其寫下交織著哀怨與嘆息感的旋律線條，那輕靈飄渺的音色，具象化離別時依依不捨的惆悵。
▲《不知何謂痛苦者》全曲線上聆聽
第一曲：交響曲，b小調，2/4拍，一把長笛、弦樂和數字低音合奏。 清唱劇由一曲為獨奏長笛、弦樂和數字低音合奏的協奏曲樂章開場，當熟悉的旋律響起，對巴赫為原作者的任何懷疑應可完全排除，因為其風格與他為相同編制所作的b小調第二號《管弦樂組曲》BWV 1067如出一轍，整段音樂由開頭的動機主導，在樂曲進行中反覆出現，也與長笛的獨奏音型相互呼應。
第二曲：女高音宣敘調，b小調轉A大調，4/4拍，弦樂與數字低音伴奏。 簡短的宣敘調，女高音訴說著摯友分離之痛，接著隱喻哭泣的孩子會得到母親安撫，鼓勵友人收起悲傷順應天命，去完成密涅瓦（Minerva，羅馬神話中的智慧女神）賦予的崇高使命，當女高音唱到此處，音樂的和聲與節奏從原本晦暗的哀婉，逐漸轉為明朗果斷。歌詞如下：
不知何謂痛苦者
即是與摯友告別卻未心碎而死的人。
那哭泣呻吟的孩子，
在他最害怕之時，
母親就前來安撫。
於是你跟隨上天召喚，
實現密涅瓦所賦予的熱情。
第三曲：女高音詠嘆調，e小調，4/4拍，長笛、弦樂與數字低音伴奏。 在弦樂與數字低音帶有協奏風格的伴奏下，主奏長笛吹奏出溫婉的優美主題，女高音接著唱出被留下之人的悲痛，長笛則以音域寬廣的十六分音符樂句一路相伴。中段轉為較歡快的節奏，反映出離去之人是要為故鄉效勞的正面期許，最終則再昇華為對旅途平安的祝福。長笛吹奏出輕盈而帶有推進感的樂句，與女高音互相追逐，宛如推動帆船前行的和煦微風，時而又像一抹不捨眼神，渲染出離別的不捨。歌詞如下：
帶著哀愁離開
將悲痛留給我們。
你會擁抱你的故鄉，
盡你所能為它效勞；
穿梭於海岸之間，
願風與浪庇護著你。
第四曲：女高音宣敘調，b小調轉e小調，4/4拍，數字低音伴奏。 如果說前一曲是在抒發離別的感傷，那麼這段過渡的簡短乾宣敘調，就是整部作品的情感轉折點，內容從離別的感傷轉為對離去摯友的推崇，歌詞中提到了德國城市安斯巴赫（Ansbaca）與羅馬帝國開國君主奧古斯都（Augusti），是要以歷史古城與顯赫君王，來凸顯這位摯友的重要性，當女高音唱到「智慧」與「美德」等關鍵字眼時，大鍵琴與數字低音會給予有力的和聲支撐，呈現出一種莊重感。歌詞如下：
你的智慧超越歲月的，
僅憑美德與勇氣就足以征服；
但讓你更加榮耀的，
將是安斯巴赫那充滿奧古斯都之地。
第五曲：女高音詠嘆調，G大調，3/8拍，長笛、弦樂與數字低音伴奏。 經過前一曲宣敘調的鋪陳，終曲詠嘆調撥雲見日，以航海的隱喻來鼓勵即將踏上旅途的摯友。在這首詠嘆調中，在十八世紀的義大利詩詞中，航海是常見象徵著人生未知挑戰的意象，而風平浪靜後的高歌則代表著戰勝恐懼後的喜悅，當女高音唱到最後一句的「高歌」時，巴赫為女高音安排了一段綿延的花腔，充滿感染力的跳躍音符，表現出迎著海風發自內心地歡唱的喜悅，此時，助奏長笛也不再哀怨嘆息，而是吹奏著輕快節拍，與女高音相互交織模仿。歌詞如下：
收起悲傷恐懼，
在風平浪靜之後掌舵，
不再畏懼或面色蒼白，
滿懷喜悅佇立於船首，
迎著大海高歌。